Lindy Lee：归属与存在
——从破碎中寻找完整，从撕裂中得到答案
文字： Sybil Zeng
第一次见到Lindy的作品时还是一年以前，那时她正在当代艺术博物馆（Museum of Contemporary Art Gallery）举办名为Moon in a Dew Drop的个人展。展览收录了Lindy Lee 40年艺术生涯里包括油画、雕塑、装置艺术等形式多样的作品。Lindy丰富的媒介表达形式引起了我的注意，她早期的作品大多以挪用西方艺术大师的肖像画，通过复印及蜡画的方式进行创作，但后期但作品却以金属雕塑、装置为主。她在不同时间段所创作的不同系列的作品素虽然表面上差异十足，但这样的差异却包含了一种连贯性。在观看她的作品时，我不免一直在内心询问着“这位艺术家到底经过怎样的文化熏染？”的问题。
在澳洲的艺术界里，鲜少有人不知道Lindy Lee的名字。作为澳大利亚最杰出的当代艺术家之一，她的作品不只被新南威尔士美术馆、堪培拉澳大利亚国家美术馆、澳大利亚当代艺术博物馆等收藏，同时也在中国、日本、马来西亚、新西兰、新加坡和美国等国家广泛展出，她同时也还活跃地参与城市公共艺术项目，包括2015年在上海展出的《The Life of Stars》，和2016年在郑州展出的《The Life of Stars – The Tenderness of Rain》，两件作品都是六米长或宽、象征着生命起源和更新的蛋形雕塑；在悉尼唐人街的《The Garden of Cloud and Stone》等。
身份认同的撕裂感
‘Self’ is about how the world comes into you, and you go out into the world, and how that action is created, and that action is who are, and what you are.”
‘自我’是关于这个世界如何进入你，而你又如何去进入这个世界，以及这个行为是如何产生的，这个行为本身便是’你是谁’和’你是什么’。
在谈话中Lindy Lee也说道在她早期的作品中充满了对“身份认同”的讨论，早年父母移民到澳大利亚，作为一个土生土长的华裔澳洲人（Australian Chinese）的她从小对“自我”感到困惑。三、四十年前的澳大利亚是一个典型的白人社会，她作为班上唯一一个亚洲人她觉得自己没有办法融入周围的圈子。“我不属于白人的文化。”她这么说道，“我不觉得自己算是中国人，因为我说不了中文。
在这样对自己身份不断质疑下成长，Lindy不可避免地感觉到某种来自她自己灵魂深处的撕裂感，这样的疼痛与撕裂感让她开始追寻关于人生的答案，而这样追寻的过程最终让她开始了自己的艺术道路，就像她自己说的那样：“我认为，人们之所以成为艺术家是因为感受到某种撕裂和疼痛。而我的疼痛来自我格格不入的身份。”
颜色的灵感
在每日的生活中 Lindy Lee 一直在对生活发问，而她的这些问题也引向了她对材料的好奇。“当我们看到红色时，我们不仅看到红色，而是我们关于这个色彩的记忆……” 在Lind Lee的作品中你可以看到她喜欢采用一些特别的单个颜色快：黑色、红色、蓝色、橙色、紫色……我询问她为什么要选择这些颜色，她的回答也非常引人深思：
“黑色是我第一个使用的颜色，而我持续使用它超过五年，黑色是夜晚的颜色，也是日出前的颜色…… 红色是生命的线索，它是血液，是身体；蓝色是心灵的颜色，精神的颜色，它塑造了我们是谁；紫色是蓝色和红色的混合，它代表着身体和心灵的结合，它们是深沉的。在我使用紫色的时期我经历着些非常心碎的时刻；橙色实际上代表着佛教，和人心中都会有的那束光……”
她也讲到除了颜色以外，不同材料和媒介的可塑性是不同的，而每种材料都有其意义…… 比如埃及人用巨石造金字塔，它们可存在几千年，但如果你用冰做一些东西，它们是不断在融化和改变的，因此她想要从这些材料的探索中找到内心中问题的答案。
平衡的艺术
